Coñeza algunhas das pinturas famosas nas que conseguimos ver e descifrar o "fondo dobre".
A maioría dos artistas puxeron nas súas pinturas un significado oculto, misterio ou enigma que os críticos de arte e outros expertos intentan descifrar co paso do tempo.
1. Jerónimo Bosch, Xardín das Delicias Terras, 1500-1510.
Yerun van Aken asinou as súas pinturas "Hieronymus Bosch". Foi un home doado e foi membro da cofradía católica da Nai de Deus. Con todo, moi probablemente ao dorso de Erun van Aken mantíñanlle os dedos cruzados, porque segundo as hipóteses dos historiadores, Bosch era herético e pertencía á secta de Adamita e, polo tanto, era un admirador da herejía de Qatari.
Naqueles días, a Igrexa Católica loitaba en todos lados cos Cathares, eo artista tiña que esconder as súas crenzas. Non obstante, segundo a crítica artística de todo o mundo, na película "O Xardín das Delicias Terras" foi precisamente a súa crenza secreta do herético, na que el conta sobre as ensinanzas dos Cathars, que foron cifradas. Pero se os seus contemporáneos adiviñasen isto, Bosch, sen dereito a xustificación, sería queimado en xogo.
2. Tivadar Kostka Chontwari, Anciano Pescador, 1902
Para descifrar a idea desta imaxe, tivemos que achegar un espello ao seu medio. Durante a vida do artista, este non é un rompecabezas infantil e non o puido descubrir. Pero cando os críticos modernos chegaron a pensar en traballar cun espello, quedaron sorprendidos polo que viron, unha vez que unha imaxe mostraba tres caras á vez. O primeiro é o rostro real do vello pescador, o segundo e o terceiro son as súas personalidades ocultas: o demo (reflectido no ombreiro esquerdo) e a virtude (reflectido no ombreiro dereito).
3. Hendrik van Antonissen, Vista da costa marítima de Scheveningen, 1641.
Cando a pantalla entrou no museo como agasallo dun clérigo e coleccionista a tempo parcial en 1873, entón na imaxe, as persoas reuníronse en mal tempo mirando simplemente ao mar. Esta vez non ofendía a curiosidade dos especialistas, xa que non estaba claro o que podería atraer a xente a terra no mal tempo.
O misterio revelouse máis tarde cunha coidadosa restauración. Cando estaba iluminada por raios X, a imaxe mostraba a carcasa dunha balea, lanzada nesta costa. E entón quedou claro que atraeu a atención de todas estas persoas. Logo da restauración, apareceu unha balea na pintura, e esta obra mestra fíxose moito máis interesante, polo que se lle concedeu un lugar máis honorífico do que era antes. Pola suxestión dos restauradores, a balea podería ser borrada e esbozada polo propio artista, que pensaba que non todos desexarían contemplar unha criatura do mar morto na imaxe.
4. Leonardo da Vinci, A Última Cea, 1495-1498.
Cando o artista creou esta obra mestra, sobre todo prestou atención ás figuras principais: Cristo e Judas. Non conseguiu atopar asistentes axeitados durante moito tempo, pero un día coñeceu a un novo coror nun coro da igrexa e copiou a imaxe de Cristo. Con todo, tivo que buscar un home para a imaxe de Judas durante 3 anos máis, ata que o artista coñeceu a un borracho que andaba na canle.
Foi un home novo, cuxa aparencia distorsionou a embriaguez da borracheira. E cando, despois de sobresaír Da Vinci, comezou a escribir con el a imaxe de Judas, o borracho dixo que xa lle pedía fai 3 anos. Descubriuse que este home caído era aquel mozo corista que representaba a imaxe de Cristo.
5. Rembrandt, Noite, 1642
A pintura máis grande do artista só se descubriu no século XIX, despois de que visitase os famosos salóns do mundo baixo o título de "Noite de vixésimo". Asignou un título á foto porque parecía que as figuras estivesen contra un fondo escuro, o que significa: pola noite. E só a mediados do século XX os restauradores descubriron que o cadro de cando en vez está cuberto cunha capa de hollín. Despois de despexar a obra mestra, quedou claro que a escena ten lugar durante o día, xa que a sombra que cae da man esquerda do Capitán Gall indica que o tempo da acción é de aproximadamente 14.00.
6. Henri Matisse, Barco, 1937
En 1967, unha pintura de Henri Matisse "The Boat" de 1937 foi exhibida no Museo de Nova York. Non obstante, despois de 47 días, un dos especialistas chamou a atención sobre o feito de que a imaxe probablemente apareza "de cabeza". Elementos importantes da imaxe son 2 velas, unha das cales é un reflexo no auga. Así que, na versión correcta, a vela grande debería estar na parte superior, eo seu pico debería mirar cara á esquina superior dereita.
7. Vincent van Gogh, autorretrato cun tubo, 1889.
No oído separado de Van Gogh, as lendas xa van. Moitos din que o cortou a si mesmo, pero adoptouse unha versión oficialmente máis creíbel, que o oído sufriu o artista nunha pequena loita con outro artista - Paul Gauguin. O segredo deste cadro é que o artista sacou o seu autorretrato dunha reflexión no espello: a orella dereita está vendada na imaxe, pero en realidade foi danada pola orella no lado esquerdo.
8. Grant Wood, gótico americano, 1930
Na pintura estadounidense, esta imaxe, coas caras tristes e tristes da xente de Iowa, é considerada a máis sombría e opresiva. Despois de que o lenzo fose exhibido en Chicago no Instituto de Arte, os xuíces non lle deron grandes recompensas inmediatamente e foron avaliados como unha imaxe satírica. Non obstante, o comisario do museo quedou sorprendido e cría que as imaxes dos veciños rurais da época reflíctense aquí. El influenciou o resultado da avaliación final, e eventualmente Grant Wood recibiu un premio de $ 300, despois de que o museo comprou inmediatamente esta imaxe. Entón, a foto caeu nas páxinas dos xornais.
Con todo, esta imaxe non causou tal admiración, como no comisario do museo, entre os habitantes do estado de Iowa. Pola contra, o mar de críticas recaeu sobre este traballo, e os Aiovtsi foron profundamente ofendidos, que o artista mostrouse tan sombrío e sombrío. Máis tarde, o artista explicou que atravesando o estado de Iowa, coñeceu unha interesante casa branca, construída no estilo de carpintaría gótica, e decidiu crear os seus habitantes no seu asento e non quería ofender aos aldeanos deste estado.
O artista incluso abriu os nomes dos asistentes desde os que escribiu imaxes: a moza do dedo de moda non estaba escribindo da súa irmá e o home severo cunha mirada dura é o dentista do artista, que na vida non se ve tan malhado. Con todo, a irmá Wood quedou insatisfeita, afirmou que na foto podería confundirse cunha esposa do dobre do home máis vello. Polo tanto, só coas súas palabras crese que o lenzo mostra o pai e a filla, pero o artista nunca comentou nel.
9. Salvador Dalí, unha nova virxe que se entrega ao pecado de Sodoma coa axuda dos cornos da súa propia castidade, de 1954.
Ata que a reunión con Gala para Salvador Dalí era unha musa e modelo a tempo parcial a súa irmá Anna Maria. E en 1925 publicouse a imaxe "Figura pola xanela". Pero un día o artista se atreveu a deixar unha insulta insultante nunha das súas obras sobre a súa nai: "Ás veces escupo o retrato da miña propia nai e me dá pracer". Por este sorprendente truco, a irmá non podía perdoalo, despois de que a súa relación deteriorouse.
E cando Anna Maria, en 1949, publicou o seu libro titulado "Salvador Dalí a través dos ollos da irmá", non describiu a admiración do artista, o que fixo que o propio Salvador furiase. E, segundo os expertos, en represalia pola irmá do libro en 1954, o artista ofendido creou o cadro "Unha nova virxe que se entrega ao pecado de Sodoma coa axuda dos cornos da súa propia castidade". Nesta imaxe, a paisaxe fóra da xanela, os rizos vermellos ea xanela aberta están claramente entrelazadas coa imaxe "Figura fóra da xanela".
10. Rembrandt Harmens van Rijn, Danae, 1636-1647
Durante o traballo de restauración nos anos 60 do século XX, a imaxe foi irradiada polos raios X, despois de que se soubo que Danae ten 2 caras. Inicialmente, a cara da princesa foi escrita a partir da imaxe da muller do artista Saskia. Non obstante, a súa esposa morreu en 1642, e logo da súa morte, Rembrandt comezou a vivir coa súa amante Hertie Dirks. Polo tanto, a pintura foi terminada polo artista xa dela, ea cara de Danae cambiou, facéndose similar á imaxe de Dirks.
11. Leonardo da Vinci, Retrato da señora Lisa do Giocondo, 1503-1519.
En todo o mundo, Mona Lisa é recoñecida como perfecta, eo seu sorriso é tierno e misterioso. O misterio deste sorriso intentou descifrar o crítico de arte e ao mesmo tempo o dentista americano Joseph Borkowski. De acordo coa súa opinión de expertos, púxose de manifesto que a "fermosa Mona Lisa" soa tan misteriosamente por unha simple razón: carece de moitos dentes. Ao estudar os fragmentos ampliados da súa boca, Joseph considerou as cicatrices ao seu redor, polo que afirma que algo lle pasou á heroína, polo que perdeu un número significativo de dentes. E o seu sorriso é típico para un home que non ten dientes dianteiros.
12. Ferdinand Victor Eugene Delacroix, Liberdade sobre as Barricadas, 1830
O historiador de arte Etienne Julie cre que a imaxe da Liberdade foi escrita do famoso revolucionario da época Anna Charlotte, que era unha actriz e lavadora da profesión. Esta muller desesperada acudiu ás barricadas e matou aos 9º soldados reais. En un paso tan valioso, a morte do seu irmán, que caeu nas mans dos gardas, a levantou. Un cofre descuberto na liberdade na imaxe significa que a democracia ea liberdade en si mesma é a comunidade que non usa corsé.
13. Kazimir Malevich, Praza Suprematista Negra, 1915
Algunhas persoas atribúen o poder místico á Praza Negra de Malevich. Con todo, como se viu, o autor non deixou nada máxico nesta imaxe, e a imaxe chamábase "A batalla dos negros nunha cova escura". Esta inscripción foi descuberta por especialistas da galería Tretyakov.
A praza non era bastante cadrada, xa que ningún dos lados é paralelo ao outro, pero non é a neglixencia do artista, senón o seu desexo de crear unha forma dinámicamente móbil. E o negro é só o resultado de mesturar cores de diferentes tons. Probablemente, Malevich respondeu así á imaxe doutro artista Alfons Alla, que pintou un rectángulo completamente negro, chamando ao traballo "A batalla dos negros nunha cova escura na noite".
14. Gustav Klimt, Retrato de Adele Bloch-Bauer, 1907
Detrás do segredo deste retrato atópase un triángulo de amor entre a mesma señora de Bloch-Bauer, o seu marido e artista Klimt. A conclusión é que entre a esposa dun magnate azucarero e un artista popular naqueles anos, un romance turbulento xirou e probablemente toda a Viena sabía diso.
Cando esta noticia chegou ao marido de Adele Ferdinand Bloch-Bauer, decidiu vingarse dos seus amantes dun xeito inusual.
Crestado pola traizón da súa esposa, o señor Bloch-Bauer converteuse ao seu amante Gustav Klimt coa orde: escribir un retrato da súa muller. O astuto magnate decidiu que rexeitaría os retratos da súa muller e que o artista tería que facer centos de novos bocetos. E isto é necesario para que o artista simplemente saia do modelo Adele Bloch-Bauer. Entón Adele debería ver como a paixón de Klimt se desvanecía, ea novela acabará.Como resultado, o insidioso plan de Fernando funcionou do mesmo xeito que tiña planeado, e logo de escribir os amantes da fotografía final separáronse para sempre. Con todo, Adélie non sabía que o seu marido era consciente dos seus amoros co artista.
15. Paul Gauguin, de onde vimos? Quen somos nós? Onde imos ?, 1897-1898.
Esta imaxe foi un punto de inflexión na vida do artista, ou mellor devandito, de verdade o levou á vida, despois dun suicidio infrutuoso. Escribiu un traballo en Tahití, onde ás veces fuxiu da civilización. Pero esta vez as cousas non saían tan ben: a constante pobreza trouxo ao artista imaxinario nunha profunda depresión.
Terminou de pintar como testemuño da humanidade e, cando se completou a obra mestra, o desesperado artista foi ás montañas cunha caixa de arsénico para acabar coa súa vida. Con todo, non calculou a dose e, con dor, volveu a casa e adormeceu. Despois do espertar e conciencia do seu acto, o artista regresou á súa antiga sed de vida, e cando regresou a casa todo era normal, comezou un crecente crecemento e as cousas subiron.
O segredo deste cadro é que debe lerse desde a dereita á esquerda, como os textos cabalísticos que fascinou o autor da pintura nesa época. O traballo conta sobre a vida espiritual e física dunha persoa desde o seu nacemento ata a morte (na esquina inferior dereita, o bebé está debuxado como símbolo de nacemento e na esquina inferior esquerda, a vellez e un ave atrapar un lagarto como símbolo da morte).
16. Peter Bruegel o máis vello, proverbios holandeses, 1559
Esta verdadeira obra mestra contén en si mesma nin máis nin menos, pero uns 112 proverbios. Algúns deles falan da estupidez humana. Moitos son relevantes para este día: "armados aos dentes", "navegan contra a corrente".
17. Paul Gauguin, bretón baixo a neve, 1894.
Esta imaxe reflicte a profundidade da fantasía do home, xa que a arte se pode ver de diferentes xeitos. Por primeira vez, a lona foi vendida despois da morte do artista en poxa por un miserable sete francos chamado "Cataratas do Niágara". Ocorreu porque o organizador da poxa pendurou a cima cos pés e viu unha fervenza na imaxe e non unha aldea cuberta de neve.
18. Pablo Picasso, Sala Azul, 1901
A solución desta imaxe foi un éxito para os historiadores de arte só en 2008, despois de que foi iluminada pola radiación infrarroja. Despois diso, a segunda imaxe ou, moi probablemente, a primeira foi descuberta. Baixo a imaxe principal da muller na sala azul, a figura dun home vestido cun traxe e unha bolboreta, apoiando a cabeza coa man, quedou claramente visible.
Segundo o experto Patricia Favero, cando Picasso inspirouse, inmediatamente agarrou o pincel e comezou a debuxar. E talvez, no momento seguinte, cando a musea o visitou, o artista non tiña un lienzo en branco, e empezou a pintar unha nova imaxe sobre a outra, ou Pablo simplemente non tiña diñeiro para novos lenzos.
19. Michelangelo, A Creación de Adán, 1511
Esta imaxe pode chamarse unha lección de anatomía. Así, segundo os especialistas norteamericanos en neuroanatomía, a imaxe mostra un enorme cerebro con partes claramente visibles, por exemplo, a glándula pituitaria, o cerebelo, os nervios ópticos e mesmo a arteria vertebral, que se representa como unha cinta verde brillante.
20. Michelangelo Merisi da Caravaggio, Lutnist, 1596
Esta imaxe foi exhibida no Hermitage durante moito tempo baixo o nome de "Lutnistka". Non obstante, na primeira metade do século XX, historiadores e expertos da arte decatáronse de que a imaxe mostra a un mozo, non unha moza. Sobre este pensamento foron empuxados por notas mentiras ante a imaxe dun home. Poden ver a festa masculina baixa de Madrigal Jacob Arkademt "Sabes que te amo". Polo tanto, é improbable que unha muller faga esa opción para cantar.
Ademais, durante a vida do artista tanto o lute como o violín, que se representan no lienzo, foron considerados exclusivamente instrumentos musicais masculinos. Despois desta conclusión, a imaxe foi exhibida baixo o nome de "Lutnist".